Convertir a Blanco y Negro con Lightroom

Las cámaras de hoy en día están muy preparadas y muchas de ellas ofrecen ya modos especiales de blanco y negro. Esto puede ser recomendable para los fotógrafos que acaban de  empezar, especialmente si nunca han hecho ningún blanco y negro, o si no realizan ninguna edición posterior de las imágenes. Pero, si tienes alguna experiencia con la fotografía en blanco y negro, y te va el procesar imágenes, te recomiendo hacer la conversión por ti mismo para tener más control sobre el resultado final de la imagen.

Es importante tener en cuenta y comprender que la cámara ve la luz y los colores de manera muy diferente a como lo hace el ojo humano. Por ejemplo, una película fotográfica en blanco y negro “interpreta” los tonos azules mucho más suaves que los ojos. Por eso usamos filtros.

Tanto Lightroom como en ACR ( Adobe Camera Raw) tenemos las herramientas necesarias para convertir nuestras fotografías a blanco y negro.

Consejo # 1 – usa el panel de blanco y negro

En Lightroom, dentro del  módulo Revelar existen algunas maneras para convertir una imagen a blanco y negro. Puedes tirar del deslizador de Saturación hacia la izquierda hasta dejarlo en -100. También puedes hacer algo similar con el control de Intensidad, pero puede que con esto no resulte una imagen 100% en blanco y negro, dependiendo de la imagen. Ambas opciones te darán una fotografía en blanco y negro. Sin embargo, estas opciones no te dan control sobre los distintos tonos de gris. Una mejor opción, en mi opinión, es el uso del panel de blanco y negro.

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Echemos un vistazo a un ejemplo utilizando la misma imagen.

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Imagen original
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Imagen con la saturación -100
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Imagen utilizando el mezclador de Blanco y Negro

Sin haber tocado demasiado los controles del panel de blanco y negro podemos observar como algunos tonos son diferentes en las dos fotografías en blanco y negro.

También contamos con un botón Automático. Al hacer clic en él Lightroom aplicará un blanco y negro predeterminado. De lo contrario todos los reguladores empezarán a cero.

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Otro truco poco conocido para el uso de estos controles es el aspecto divertido cosita doble círculo en la parte superior izquierda. Si haces click en el pequeño círculo el puntero del ratón tendrá ahora pequeñas flechas arriba y abajo. Haga clic en cualquier parte de la imagen, mantenga pulsado y arrastre el ratón, el ajuste se hará exclusivamente en el color donde has pulsado . Arrastra hacia arriba para mover los controles deslizantes hacia la derecha (+) y arrastra hacia abajo para desplazarse hacia la izquierda (-).

Esto es muy útil si no sabes muy bien qué controles elegir en el panel para ajustar el blanco y negro. Así sólo tienes que seleccionar el área de la imagen que le gustaría ajustar los tonos y listo.

Consejo # 2 – dale vida

A veces, la imagen resultante es plana y aburrida. Yo hago lo siguiente a la mayoría de mis imágenes en blanco y negro:

  • Aumentar la claridad: normalmente a valores entre 30 y 60. Intentando que no afecte negativamente a la fotografía.
  • Oscurecer los negros: hasta que se vea bien. Si haces click y mantiene pulsado el botón Alt mientras deslizas el control, puedes ver exactamente donde empiezan a saturarse los negros (donde se empastan). Puedes utilizar esta información para asegurarte de que tiene un negro intenso, pero manteniendo todos los detalles.
  • Aumentar el contraste, ya sea usando el control deslizante Contraste o con las Curvas.

Muchas veces, después de realizar estos ajustes de contraste, verás que se ha modificado la fotografía y será necesario volver atrás y retocar valores.

Y ahora os diré cual es el secreto para una buena fotografía en blanco y negro…

El secreto para una buena fotografía en blanco y negro es: el negro. Eso es todo. Añadir contraste o aumentar los negros, blancos , o ambos para obtener una amplia gama de tonos. No importa cuál es el tema de la fotografía, tener el suficiente contraste como para que el blanco y el negro sean puros es clave para tener una imagen de blanco y negro impresionante.

Consejo # 3 – Blanco y negro selectivo

Hay un par de maneras de hacer estas imágenes, en las que toda la fotografía está en blanco y negro excepto un color o un objeto en la imagen. Una vez más,  puedes usar los controles deslizantes Intensidad y Saturación, sin embargo, van a afectar a los colores de toda la imagen. También puedes utilizar el Pincel de ajuste y pintar las partes de la imagen que te interesen. Yo uso este método a menudo, incluso en imágenes a color, para hacer destacar (o pasar desapercibido) algún elemento.

Por último, puedes utilizar los controles deslizantes en el panel HSL. Al deslizar los colores seleccionados a la izquierda se puede desaturar sólo aquellos colores. También se puede utilizar el mismo icono ese del doble círculo del que hablamos para hacer el blanco y negro.

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EXTRA: haciendo un buen duotono (fotografía sepia)

Aquí tienes un pequeño extra. Adobe ha hecho que sea muy fácil crear un muy buen duotono (de manera sencilla podemos decir que es un blanco y negro tintado, como las imágenes en sepia). Sólo tienes que ir al panel Dividir tonos después de haber hecho tu blanco y negro, es el panel que esta a continuación.

Verás deslizadores para altas luces y para sombras. Mi consejo personal es utilizar únicamente los controles deslizantes Sombras y no tocar las altas luces.

Cómo crear el duotono

En primer lugar empezar por elegir el regulador Tono (de las sombras). Si quieres un color marrón agradable, comenzar con alrededor de 40 a 45 . Cada  imagen es diferente, por lo que puedes empezar por ahí y ajustarlo a tu gusto y/o estilo . Es posible que veas que no ha pasada nada , ¿verdad? Eso es porque tienes el control de Saturación a cero, sube su valor y verás “la magia”. Cuanto más aumente la saturación , más profundo y más vibrante será el tono. Una vez más, no hay un tono perfecto, todo depende de tus gustos.

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Fotografiando humo de forma sencilla

Tanto para fotógrafos profesionales como para los aficionados, estas fotografías ofrecen muchas opciones ya que es imposible sacar dos fotografías exactamente iguales.

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Equipo necesario

  • El estudio: necesitamos un lugar donde realizar la fotografía. Para esta ocasión no hace falta que sea nada demasiado grande, aunque si debemos asegurarnos de que no hayan corrientes de aire.
  • Barritas de incienso: Yo recomendaría elegir un olor de incienso que nos resulte atractivo, para trabajar a gusto, aunque también puedes simplemente coger el más barato.
  • Un fondo negro (recomendación): No es necesario, pero para aislar correctamente el humo es recomendable utilizar un fondo negro y que este se encuentre a una distancia prudencial de la barrita de incienso.
  • Un flash (o dos): necesitaremos que estén separados de la cámara y apoyarlos en algún sitio (tripode, pie, montón de libros, etc.)
  • La cámara: resulta una obviedad, pero hay que incluirla en la lista.

 

Esquema de trabajo

El siguiente esquema muestra de una manera sencilla dónde se coloca cada cosa.

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Este es el esquema de trabajo: frente a la cámara la barrita de incienso (lo que genera el humo), a la izquierda el flash, que disparará la luz contra el humo. Es posible colocar un segundo flash a la parte derecha, lo que dará otros resultados. El incienso debe estar colocado de forma más o menos vertical y sujetado en un porta-inciensos (no son caros), o en un vaso o botella, algo que aguante el peso sin caerse y no se queme cuando  le caiga la ceniza.

El flash no debe rebotar en el fondo negro, porque si lo hace se verá. El truco es que el flash apunte al humo (puedes utilizar un snot para hacerlo más sencillo) y manejar los valores de la cámara para que aisle el fondo.

Un snoot es una especie de tubo que hace que la luz de flash se concentre en un punto

 

Configuración del equipo

Llega a la configuración: El flash en modo manual con una potencia del 75%. La cámara la configuramos inicialmente a 1/160 con ISO 100. Es difícil enfocar el humo, así que es aconsejable desactivar el enfoque automático y enfocar manualmente solo una vez. Además trabajar con un número f alto dará mejores resultados. Yo suelo empezar con 8 de apertura, pero voy jugando con la apertura y la intensidad del flash hasta que consigo estar satisfecho con el brillo del humo. La mayoría de las imágenes las tomarás con diafragma de 7 a 11. Obviamente estos valores van a variar dependiendo de tu flash, tu cámara y tu objetivo.

Debes intentar no quemar ninguna parte del humo. Este tipo de imágenes ganan mucho cuando puedes apreciar el volumen generado por los distintos tipos de luces.

Y entonces, sólo se necesita un montón y un montón de fotos. El calor que emite el flash en algunos casos es suficiente por si mismo para mover el humo. Además, puedes utilizar elementos como una cuchara o un papel para dar al humo una dinámica distinta.

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Vas a ver que surgen formas distintas una y otra vez. Especialmente remolinos simétricos de aire caliente. A partir de ahora todo es fácil, solo es cuestión de cantidad, experimentación y paciencia. Yo suelo hacer cerca de 200 imágenes por sesión, de las que guardo un número indeterminado que varía entre 5 y 20 (hay que ser exigentes). Se que parece en número muy pequeño. Al no poder controlar 100% el humo, muchas fotos van directas a la basura (menos mal que vivimos en la era digital), pero las que se salvan realmente merecen la pena. No hace falta decir que es recomendado trabajar en formato RAW.

 

Juega con el humo

Tienes que ser creativo. Juegan. Cambia el flash de lugar, utiliza filtros de colores, juega con el humo con tus manos, con un tenedor… Puedes conseguir efectos increíbles  de una manera muy sencilla. Si dispones de un disparador… ni hace falta que te acerques a la cámara.

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La parte 2 del tutorial: Photoshop fumaba

Más adelante veremos como sacarle el máximo partido a estas fotos trabajando con el humo en Photoshop.


Reducir el ruido de una fotografía

Básicamente, hay que diferenciar entre dos tipos de ruido diferentes. Por un lado tenemos la luminancia y por otro el ruido de color.

La luminancia

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La Wikipedia define el ruido de luminancia parece como variaciones de luminosidad en la imagen, se nota sobre todo en superficies que deberían tener un color uniforme.

El ruido de color

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El ruido de crominancia aparece como puntitos de colores de manera aleatoria.

Es el ruido más fácil de eliminar con un software de filtrado anti-ruido, pero se pierde fidelidad en los colores.

Como bien explica Hugo Rodriguez en su blog, El ruido de luminancia o luminosidad es aquél que provoca irregularidades de “claridad”, pero no hace aparecer colores falsos. Es decir, el que podríamos denominar “estándar”. En cambio, el ruido de color es aquél que afecta de manera diferente a los canales de la imagen y hace aparecer colores falsos. Típicamente, se trata de manchas de color cálido y frío (ámbar y azul, en términos no fotográficos).

Eliminar el ruido con Lightroom

En estos casos, siempre empiezo con el ruido de color. Amplio la imagen al 100% para tener una visión “realista” de lo que tengo delante. Ahora muevo el deslizador de color a la derecha hasta que el ruido de color se ha ido. Este es el caso en un valor de 60. Esta corrección tiene como negativo que los colores pierden viveza y aparecen como “lavados”. Si quieres un trabajo más cuidado, siempre puedes realizar este ajuste por zonas, en función de la reducción requerida.

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En algunas ocasiones, el deslizador de contraste ayuda a un aumento de la calidad, aunque en la mayoría de las fotografías este controlador prácticamente no tiene ninguna importancia. Por último, deslizo el controlador de luminancia hasta el valor oportuno, en este caso fue de +69.

Por último, vamos a echar un vistazo al antes y después y podremos comprobara como Lightroom ha hecho su trabajo.

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Cuando realices este tipo de ajustes, debes tener en cuenta que siempre hay pérdida de calidad. De ti depende encontrar el punto adecuado entre perdida de calidad y la reducción del ruido.


La técnica del barrido en fotografía

Se denomina barrido al giro de la cámara para seguir a un objeto o motivo en movimiento. En general se emplea para obtener una imagen nítida del motivo contra un fondo difuso para crear la ilusión de movimiento.

La técnica de barrido consiste en seguir el objeto en movimiento que queremos fotografiar con nuestra cámara, disparar la cámara mientras continuamos con el movimiento y, gracias a una velocidad de obturación lo suficientemente lenta –con respecto a la velocidad de desplazamiento del sujeto fotografiado- conseguir una imagen razonablemente nítida del sujeto centro de atención de la fotografía sobre un fondo borroso (barrido) aumentando la sensación de movimiento. La expresión que más se ajusta es hacer fotos como si hiciéramos cine. Sin olvidar el dejar espacio delante del motivo principal para que pueda “desplazarse virtualmente por la imagen” Porque es importante no olvidar la composición, ya que es la que dará el sentido “estético” a la fotografía no son buenos los barridos por sí solos sin contar con una buena composición.

La situación ideal se da cuando puedas colocarte a cierta distancia del objeto y tengas la posibilidad de usar un teleobjetivo. Lo suyo es que el objeto se desplace lo más paralelo posible a la cámara.
Cuanto menos paralelo sea este movimiento, más dificultad tendremos para poder conseguir el efecto.

Vamos a hacer un primer ejercicio que nos ayudará a entender mejor el problema: Tienes que tomar una fotografía de una persona en movimiento, en ella el fondo debe permanecer nítido, correctamente enfocado, y la persona borrosa, con desenfoque de movimiento.

Fácil, ¿no? Bien…Alguna vez lo habrás conseguido sin querer. Basta con que la velocidad de obturación no sea muy rápida o que la persona fotografiada si lo sea.

Lo complicado es hacer lo contrario, cuando el sujeto debe verse nítido y el fondo borroso, con un desenfoque de movimiento. Si aún no sabes de qué tipo de fotografía estamos hablando, piensa en las fotografías de coches de fórmula 1, o cualquier tipo de carrera (motos, rallies, karts…).

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Para esto se debe tener en cuenta lo siguiente:

La velocidad de obturación debe ser la más lenta posible, lo que nos permita la iluminación del ambiente antes de quemar la imagen, para esto también nos ayudamos con el diafragma.

La posición de la cámara también es especial, ya que no sólo nos preocupamos de tener al sujeto a foco, si no que además debemos tener la precaución de seguirlo en su movimiento incluso mientras presionamos el botón disparador, si nos detenemos en el momento de disparar, lo más probable es que no resulte.

Un error muy común es que al momento de seguir con el lente el sujeto en movimiento, cuando se dispara uno se detiene, y es un grave error. Siempre acompañar lo mejor posible, tratando que uno nunca vaya mas adelante o atras y cuando se shutea seguir el recorrido unos instantes.

Para que os sirva de ayuda, esta tabla os sacará de más de un apuro:

Carreas de Coches 1/250 – 1/500 Seg.
Carrera de Caballos, Ciclismo 1/125 Seg.
Corredores, Niños en Bicicletas 1/60 Seg.
Gente Caminando Rápido 1/30 Seg.

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Cómo fotografiar la cerveza perfecta

Paso 1: los materiales necesarios.

Lo primero son los materiales que vamos a necesitar. Para este tipo de fotografía necesitaremos:

  • Limpiacristales para limpiar la botella antes de nada. (es el liquido azul)
  • La botella de cerveza (o refresco, o lo que creais que puede quedar bien).
  • Glicerina.
  • Aceite de cocina.
  • Una botella con atomizador (de esas con spray, en cualquier tienda multiprecios o gran superficie encontraréis sin problemas).
  • Agua.
  • Spray Mount (es un pegamento en aerosol, 3M por ejemplo lo comercializa).
  • Algún material reflectivo, un papel de aluminio dorado vendría genial al tratarse de cerveza.

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Para este tutorial se utilizó unas muestras de reflectores, pero cualquier otro material de características similares (papel de aluminio) puede funcionar correctamente.

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Paso 2: Efecto congelado.

Para que el resultado sea perfecto, la botella no debe estar fría, y debe estar limpia. Para eso usamos el limpiacristales.

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Ahora le aplicaremos el adhesivo en spray (Spray Mount) sobre la superficie que va a salir en la fotografía, no es necesario que cubramos toda la superficie de la botella. La botella parecerá ahora que está recién salida del congelador.

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En esta última fotografía podemos observar cómo queda la botella de cerveza después de aplicarle el pegamento en aerosol.

Paso 3: La capa de aceite.

Ahora tenemos que aplicar el aceite de cocina con un pincel sobre la botella. Como en el apartado anterior, solo es necesario hacerlo sobre la parte que va a ser visible en la fotografia, la misma parte que lleva el pegamento que hemos aplicado en el punto anterior.

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Paso 4: Las gotas en la superficie.

Mezclamos en la botella con el difusor 70% de agua y 30% de glicerina. Hay quien recomienda hacerlo al 50-50. El agua y el aceite se repelen, por lo que se formarán gotas en la superficie de la botella. Además, la glicerina ayudará para que estas gotas estén un poco más firmes y permanezcan en su sitio, sin que caigan hacia abajo.

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Esto hará que la botella parezca bien fria.

Paso 5: el brillo interior.

Tenemos que colocar un reflector detrás de la botella. No me refiero a unos metros fuera de la toma (eso ya depende de la iluminación que busquemos para cada fotografía en concreto). El reflector debe estar pegado a la botella y debe reflejarse en él la fuente principal de luz para que adquiera un mejor color.

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Podemos ver en esta fotografía como parte del reflector asoma a la derecha de la botella.

Resultado final

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