Reglas de oro de la fotografía (y II)

Sin orden ninguno:

01. El contenido es más importante que la forma

Muchas veces, demasiados fotógrafos, caen en el error de centrarse exclusivamente en la técnica. Una fotografí­a puede estar bien enfocada, con un balance de blancos perfecto y un color inmejorable y, sin embargo, no transmitir nada. Estar completamente vací­a.

02. Si lo puedes mostrar, no lo digas

Esta idea tiene su origen en la televisión, todos conocemos la famosa frase “Una imagen vale más que mil palabras”. En fotografía hay que intentar que la imagen hable por si misma… si el fotógrafo debe explicar la toma, es que no es una buena fotografí­a.

03. Tener claro el motivo de cada toma

¿Qué quieres mostrar? ¿lo tienes claro? Si no es así, mejor respira y piensa un poco. Si no tienes claro lo que quieres hacer, cuando miren tu fotografia no tendrán claro lo que querias ofrecer.

04. En cada toma solo un centro de interés

Los ojos van siempre primero a lo que llama la atención. Si colocas varios objetos o personas que llamen la atención, la vista ira recorriendo la foto de lado a lado casi sin querer, siguiendo el rastro de los puntos de interés.

Algunas formas de llamar la atención sobre un punto concreto son:

– Iluminándolo
– Enfocándolo
– Dando sensación de movimiento, o de vida.

05. Regla del horizonte, Regla de la mirada y Regla de los 2/3

Ya hablé de estas tres reglas hace unos días: Regla del horizonte, de la mirada y de los 2/3. Pero es que son muy importantes.

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06. Regla de las lí­neas dominantes

Las lineas dentro de la fotografí­a transmiten una serie de sensaciones:

– Horizontal: Estabilidad, Espacio…
– Vertical: Fuerza, Poder…
– Diagonal: Dinamismo, Excitación…
– Zig-zag: Violencia, Destrucción…
– Curvas: Sensualidad, Belleza…

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07. Mejor impar que par

A veces, una foto en grupo se ve mal y no se sabe por qué. No me refiero a que esté desenfocada, con grano, con colores pobres o muy saturados o quemada. Me refiero a que la sensación que transmite no es del todo buena.

Si ponemos a dos personas en la misma fotografía, dandole a los dos la misma importancia, la atención se reparte, es mejor que hayan tres protagonistas, o cinco mejor que cuatro, y centrar la atención en uno de ellos.

Esto no significa que no se pueda hacer fotografia de parejas pero, en muchos casos, o la pareja forma un unico foco de atención o hay un tercer objeto (un reloj, una colonia… como solemos ver en los anuncios).

El número mágico es el 3.

08. Utilización de la luz

La luz que demos a una fotografí­a es, como pasa con las lineas y el color, fundamental a la hora de transmitir sensaciones:

– Poca Luz: Miedo, Drama…
– Luz Difusa: Romanticismo, Ternura…
– Luz Brillante: Alegrí­a, Dinamismo…

09. Utilización del color

Los colores transmiten sensaciones y ayudan a concentrar el interés en determinados puntos:

– Colores Fuertes: Energí­a, Dinamismo…
– Colores Pastel: Serenidad, Armonía…
– Colores Claros: Bondad, Liegereza…
– Colores Oscuros: Maldad, Peso…

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Fotografia de Onicomicosis

Los colores cálidos (amarillos, naranjas y rojos) centran más la atención que los fríos (azules, verdes y púrpuras)

10. Los bordes de la imagen

Hay que tener cuidado a la hora de fotografiar personas. NUNCA HAY QUE CORTAR UNA IMAGEN A LA ALTURA DE UNA ARTICULACIÓN. Siempre será mejor hacerlo por zonas intermedias. Tampoco se pueden cortar elementos importantes de un objeto, por ejemplo, las ruedas traseras de un coche.

11. Sensación de profundidad

Incluir objetos o personas en distintos planos mejora la sensación de profundidad de las fotografías. Si tomamos una fotografía en la que todo está al mismo nivel, se verá plana y sin perspectiva

12. Equilibrio de la imagen

Hay que buscar el equilibrio entre orden y complejidad, en función de las sensaciones que queramos transmitir.

+ Orden – Complejidad: Aburrimiento
– Orden + Complejidad: Confusión

13. El movimiento

Para algunas fotografías este puede ser un consejo interesante. Hacia donde se mueva el centro de atención de la fotografí­a transmitirá una serie de sensaciones:

– De zona iluminada a zona de sombra: Fracaso, Depresión…
– De zona de sombra a zona iluminada: Libertad, Superación…

– De abajo a arriba: Evolución, Avance…
– De arriba a abajo: Retroceso, Final…

El movimiento de izquierda a derecha y de abajo a arriba es más natural que al contrario.

14. La importancia de los ojos

Los ojos son el espejo del alma, y el rasgo físico más importante del ser humano. Por ello han de estar siempre perfectamente enfocados.

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She’s got the black de Petko Petkov

De igual manera, hay que procurar que estén siempre en el tercio superior de la imagen.

15. Diferentes planos

En general, cada tipo de fotografÃía necesitará un tipo de plano:

– Plano corto: Retratos, Macro…
– Plano medio: Moda, Retratos…
– Plano largo: Reuniones, Moda…
– Plano general: Reuniones, Paisajes…

En función del plano que se vaya a utilizar hará falta un objetivo u otro. Es algo que, aunque parece una tontería, hay que tener en cuenta antes de salir de casa para elegir el equipo.


Lightroom: día 4. Exposición y DNG

Flujo de trabajo para la correcta exposición en RAW

Una gran diferencia entre el carrete típico de la fotografía analógica y los sensores de la fotografía digital es cómo reaccionan de manera diferente a luz. La película analógica se comporta como el ojo humano, respondiendo de manera no lineal a la cantidad de luz. El ojo, o más bien nuestro cerebro, realiza, digámoslo así, una corrección de gamma automática.

¿Cómo funciona esto exactamente? Vamos a imaginarnos que estamos en un cuarto oscuro, con una única bombilla de 40 vatios, que produce un determinado brillo. Entonces, al encender una segunda bombilla de 40 vatios, hay más luz, pero no es dos veces más brillante… Y una tercera bombilla mucho menos triplica el brillo. Se genera más luz, pero menor es el aumento en el brillo. Los sensores no tienen este método de análisis ya que miden, de una forma bastante lineal, el número de fotones.

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Después de una corrección de gamma, la imagen aparece como lo vemos. Ahora, el histograma muestra una distribución normal.

 

Gradación lineal

Los sensores digitales trabajan con una gamma lineal. En la cámara detectan el brillo normalmente con una profundidad de 12 bits. Esto quiere decir 4.069 niveles de brillo (desde el 0% de brillo al 100% de brillo). Cada paso reduce a la mitad la cantidad de luz que incide sobre el sensor.

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Supongamos un diafragma con seis pasos. Se obtiene la siguiente gradación de valores de brillo :

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  • 2,048 niveles hasta en el primer escalón (f/11) . Esto corresponde a las áreas más brillantes de la imagen .
  • 1,024 niveles hasta el segundo (f/8) . En esta zona se encuentran las zonas más claras.
  • 512 niveles del segundo al tercero (f/5.6) . Estos son el brillo medio de la imagen.
  • 256 niveles del tercero al cuarto (f/4).
  • 128 pasos del cuarto al quinto (f/3.6). Aquí están las luces bajas.
  • 64 niveles hasta el sexto escalón (f/2). Aquí los lugares más oscuros.

En los archivos JPEG con una profundidad de 8 bits, la gama de exposición sólo tiene 256 niveles. Esto quiere decir que, por ejemplo para las zonas más oscuras, solo tiene 4 valores, por los 64 de una imagen en RAW. 3 tipos de “casi negro” (el 4° sería el negro absoluto), mientras que RAW cuenta con 63 (más el negro absoluto).

Exponer teniendo en cuenta las zonas brillantes

Para evitar problemas con la sobre o subexposición, debes tener en cuenta lo siguiente:

La exposición debe ser lo más precisa posible en la cámara, porque las zonas demasiado brillantes (quemadas) o demasiado oscuras (empastadas) serán difícilmente recuperables con Lightroom (o cualquier otro programa). Para imágenes con una gran gama de colores es todo un problema .

Debes preocuparte en exponer correctamente las zonas brillantes, pero sin dejar la fotografía demasiado clara.

Ten cuidado también con la ISO elegida. Cada cámara es un mundo y no siempre la ISO 100 es la más adecuada (para algunos modelos será mejor la ISO50 o la ISO125, incluso la ISO200). Debes comprobar cual es la sensibilidad que mejor funciona en tu cámara.

Interpretar correctamente el histograma

Los histogramas siempre muestran los de valores de brillo. Cuanto más alto es el pico, más pixeles hay en ese valor de brillo.

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Muchas cámaras digitales compactas y todas las réflex (con o sin espejo) digitales tienen la posibilidad de mostrar un histograma. Como he dicho anteriormente, este muestra la distribución del brillo en la imagen. Sin embargo, sólo proporciona la distribución de un archivo JPEG (la vista previa) y esta no es del todo correcta para los datos RAW. Sobre todo en los bordes, en las zonas más oscuras y brillantes, ya que se pierden los matices existentes al realizarse la conversión a 8 bits de los archivos JPEG.

 

¿DNG como formato RAW estándar?

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Para los archivos RAW, no existe todavía un formato de archivo estandarizado. Esto significa que cada fabricante puede generar su propio formato RAW. Y es lo que pasa: Hay docenas de diferentes formatos con nombres tales como NEF de Nikon, CRW de Canon, ORF de Olympus y muchos más.

Esto tiene cierto sentido, ya que los datos RAW en la cámara incluyen parámetros específicos de la cámara. En este escenario, pueden buscarse diferentes soluciones dependiendo del modelo. Así que incluso modelos de cámaras distintos de un mismo fabricante pueden trabajar cada una con un formato de RAW diferente.

Tampoco hay un programa estándar para el tratamiento de los archivos RAW. Por eso cada fabricante incluye un software específico para edición.

Sin embargo , esto plantea algunos problemas. Si no estás satisfecho con la funcionalidad de software del fabricante, tienes inicialmente pocas opciones para trabajar con otro programa: Lightroom, Capture One, Aperture…  (aunque cada vez son más los programas). Muchos fabricantes optan por no “ceder” las especificaciones de sus formatos y por lo tanto impiden que fabricantes independiente puede proporcionar programas alternativos

Otro problema es el almacenamiento a largo plazo. Puedes encontrarte con que los programas recientes ya no reconocen tu antigua cámara, o que el programa de la cámara ya no se ejecuta en un ordenador con un sistema operativo más reciente.

Por todas estas razones, es necesario que desde la perspectiva del usuario, así como desde la perspectiva de los fabricantes de software, la existencia de un formato RAW neutral.

Aquí es donde empezó el formato Adobe DNG. Con gran éxito.

 

DNG (Negativo Digital)

Adobe ha creado un formato RAW denominado DNG que cumple con todos los requisitos de la tecnología de RAW. El formato incluye un contenedor para los metadatos y otra para los datos de la imagen RAW. Los datos de imagen en sí, así como en la mayoría de los otros formatos RAW, se almacenan como TIFF. Este formato también permite que se pueda almacenar la información de copyright.

En los metadatos, se almacena toda la información que se necesita para el tratamiento posterior de los datos. No sólo son datos para nosotros, como los referentes a la cámara, al objetivo, etc, sino que también se almacenan los datos puramente técnicos que contienen la grabación de datos muy específicos y que son necesarios para su posterior procesamiento, como por ejemplo la profundidad de bits (por lo general de 12 bits), los pixeles defectuosos (éstos se interpolan), la compresión, etc.

Problemas con el DNG

Para crear un DNG , los archivos RAW de la cámara deben ser convertidos al formato DNG. Como esto no es, por supuesto, del agrado de muchos fabricantes (la mayoría de los fabricantes quieren mantener sus formatos originales), nos vemos obligados a utilizar herramientas como el convertidor DNG de Adobe. Ésta herramienta puede descargarse gratuitamente en Internet desde la web de Adobe. En Lightroom, sin embargo, ya está perfectamente integrada.

Con cada nueva versión de una cámara, el formato RAW propietario debe integrarse a los diferentes programas. Por lo tanto, y en general, se necesita algún tiempo hasta que todos los nuevos modelos de cámaras dispongan de la versión apropiada disponible. Por eso aparece cada pocos meses una nueva versión de Lightroom que da soporte a los nuevos formatos de cámara RAW.

Además, muchos fabricantes no publican la totalidad de sus propias especificaciones RAW. Es por esto que a veces no se muestra toda la información disponible en un RAW o esta se interpreta erróneamente. Este es el motivo por el cual algunos expertos de la industria hablan de perdidas de información con el formato DNG.

Trabajar con DNG

DNG se propaga por Adobe como un formato RAW abierto, pero aun no es un estándar. Por ello disponemos de varias opciones

  • Usar los archivos originales: renunciamos a la conversión a formato DNG y trabaja con el archivo RAW de la cámara. Lightroom tiene el visto bueno de los fabricantes, así que no habrían problemas (siempre y cuando no sea una cámara nueva y una versión anterior a esta de Lightroom).
  • Integrar los archivos originales en archivos DNG: esto da lugar a archivos muy grandes, pero se guarda toda la información.
  • Guardar los originales: simplemente conviertes todas las imágenes a formato DNG y guardas los datos originales en otro sitio.
  • Pasarse a DNG: La última posibilidad es la más radical: Convertir todas las imágenes RAW a DNG, no darle importancia a la supuesta perdida de datos y borrar los archivos originales. Los que optan por este método siempre afirman que no han sufrido ninguna pérdida.

La luz #2 La dirección de la luz

Elegir la dirección desde la que viene la luz principal es una de las decisiones más importantes a tomar, ya que tendrá un gran impacto en la apariencia de la escena, y también en las emociones que tu imagen pueda transmitir.

Luz frontal

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Ocurre cuando la fuente de luz está directamente detrás del punto de vista del observador. Lo más común es verla en fotografías con flash y a menudo, es bastante poco atractiva si la fuente de luz es dura – hay excepciones y en algunas situaciones una luz frontal suave puede producir imágenes muy atractivas.

La luz frontal sirve muy poco para mostrar la forma o la textura ya que las sombras estan en su mayoría escondidas de la vista. Como resultado hace que las cosas parezcan planas, aunque una luz frontal difuminada puede también ‘aplanar’ algunos objetos por esta misma razón – puede ayudar a disimular arrugas e imperfecciones y por eso es a menudo usada en retratos y fotografías de producto.

La luz frontal dura tiene ese aspecto de paparazzi: estridente y a menudo nada atractiva.
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La luz frontal suave difumina las formas.
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La luz frontal puede hacer que la escena parezca plana ya que no nos vale para revelar forma y textura.

Luz lateral

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La luz lateral es muy buena mostrando la forma y la textura y presta a los objetos una cualidad tridimensional. Las sombras son acentuadas y como resultado el contraste puede ser alto. La luz lateral puede usarse para arrojar sombras dramáticas sobre superfícies tales como muros y crear atmósfera. La luz lateral es generalmente atractiva y es a menudo usada para conseguir un gran efecto: es el tipo de iluminación que se encuentra al principio y al final del día y como tal se ve a menudo en películas y fotografías

La desventaja potencial de usar esta iluminación reside en que algunas áreas de la imágen pueden perderse en las sombras, y que puede revelar imperfecciones tales como arrugas. En el retrato fotográfico, por ejemplo, es generalmente usada con los hombres más que con las mujeres porque tiene una apariencia más dura, especialmente si las sombras no tienen un borde suavizado.

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La luz lateral puede usarse para conseguir un gran efecto y revelar forma y textura.
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La textura de este muro es revelada por la luz de la tarde que la saca a relucir.
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Las largas sombras proyectadas a lo largo de esta imagen ayudan a darle un sentido de profundidad y dimensión.

Luz trasera

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La luz trasera ocurre cuando el observador está mirando hacia la fuente de luz, y los objetos tendrán su parte iluminada hacia el lado opuesto a nosotros, para aparecer o bien como siluetas o bien oscuramente iluminados por la luz de relleno. Es normalmente una situación de alto contraste y puede a menudo parecer muy atmosférico y dramático. Si el origen de la luz esta en un pequeño ángulo relativo a nuestro punto de vista, tendrá un filo de luz definiendo uno o más de sus bordes. Cuanto más dura sea la luz, más pronunciado será este filo.

Las escenas iluminadas desde atrás normalmente contendrán un montón de sombras a no ser que el orígen de la luz sea muy suave. La mayoría de las veces la imágen será predominantemente oscura con zonas definidas dramáticamente iluminadas. El filo iluminado que conseguimos en esta situación puede ser muy útil para definir las formas entre las sombras. Otra característica de este tipo de luz es que revela la transparencia, translucencia y cualquier fino detalle o textura a lo largo de este borde iluminado. Este tipo de luz es muy efectiva para prestarle drama a una imágen.

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La luz trasera puede hacer que hasta el más mundano de los temas parezca atractivo.
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Es también un modo efectivo de revelar la translucidez de los objetos.
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Las siluetas son una característica común de las escenas iluminadas desde atrás.

Luz Cenital

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La iluminación desde arriba es una situación ligeramente más inusual, aunque es común en la luz de un día nublado. Se puede encontrar también en la luz del sol al mediodía, en algunos interiores y en otras situaciones como la iluminación de escena. Con luz suave es un modo muy efectivo de mostrar la forma. Bajo una luz dura, puede darle un aire de misterio por las sombras dramáticas que proyecta, que ocultan las formas bajo ella: por ejemplo la gente que permanece directamente bajo la luz dura tendrán agujeros negros en lugar de ojos, ya que la cuenca del ojo estará en sombra total.

A mi entender, la iluminación cenital es raramente utilizada por los artistas, aunque eso no quiere decir que no debería ser usada. Para la iluminación de un día nublado es el set-up más realista, con el cielo entero actuando como una enorme fuente de luz difusa. Es también una iluminación inusual para situaciones más atmosféricas y el simple hecho de que no se vea a menudo puede ser usado para crear un sentiemiento de incomodidad.

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La luz suave desde arriba es una característica de situación meteorológica nublada.
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Iluminar una figura directamente desde arriba puede dar un aspecto amenazante. Enfatiza la estructura de los huesos y la profundidad de las cuencas de los ojos.

Luz desde abajo

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Si la iluminación directamente desde arriba es rara, entonces hacerlo con la luz directamente desde abajo es todavía más inusual. En un contexto natural esto puede ocurrir si alguien está de pié junto a una fogata, o sosteniendo una linterna. La luz reflejada puede también venir desde abajo, desde el agua, por ejemplo. Le daría una apariencia complétamente extraña a los objetos más familiares, incluso, ya que lo que usualmente se ve con luces y sombras serán revertidas ( piensa en una persona iluminandose la cara con una linterna desde abajo: Las sombras parecen estar al revés).

De nuevo, la rareza de este tipo de iluminación puede usarse para un efecto creativo. Instintivamente reconocemos que las cosas no parecen estar bien, y esto puede usarse para crear ambientes específicos, manipulando la iluminación para provocar emociones y respuestas.

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La iluminación desde abajo se ve raramente, pero puede ser usada para crear imágenes inusuales.
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La iluminación desde abajo crea un aspecto misterioso y poco familiar. Incluso las zonas iluminadas en los ojos se ven extrañas debido a su colocación. Date cuenta de cómo el ángulo de luz también enfatiza la textura de la piel. Compárala a la imagen de la sección anterior: es la misma cara, sólo la posición de la luz se ha movido, pero parecen completamente diferentes la una de la otra.


Continuará…

Nota: Este artículo es una traducción del tutorial originalmente escrito por Richard Harris. Todas las imágenes y el texto mismo tienen copyright. El original en inglés puede encontrarse en www.itchy-animation.co.uk


Lightroom: día 3. el formato RAW

Gestión disponibles a través de los metadatos

Cada imagen que quieras editar en Lightroom, debe ser previamente importada a la biblioteca de Lightrom. Esta biblioteca es una base de datos de las fotografias que tengas almacenadas. Todas las modificaciones que hagas a tus fotografias, así como los duplicados, quedarán almacenadas en esta base de datos como metadatos de la imagen original.

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En los metadatos EXIF se almacenan principalmente los detalles técnicos de la cámara

Este concepto puede parecer extraño a primera vista. ¿Por qué una primera importación en una base de datos, si sólo quiero corregir la exposición, por ejemplo, o imprimirlo? Si parar eso quieres el programa, es normal hacerse esa pregunta. Quien, sin embargo, lo utiliza para gestionar cientos o miles de fotografias, a las que realiza un procedimiento específico, necesita una herramienta de gestión que pueda hacer frente a todo lo relacionado con cada una de las imágenes. Si este es tu caso, solamente una buena base de datos bien organizada te salvará en algunas ocasiones.

Podemos hacer que metadatos tales como ISO, datos de exposición o la distancia focal se muestren junto con las imágenes de vista previa .

 

¿Qué son los metadatos?

Los metadatos son información adicional sobre los archivos que proporcionan independientemente de su ubicación o su información de directorios. Digamos que son como una nota asociada a la fotografía y que, a través de un programa adecuado, podemos leer y obtener así información sobre el contenido, el autor, la información técnica o los derechos de autor de la imagen.

Formatos de metadatos

Existen metadatos para todo tipo de tareas y documentos. Las modificaciones que hacemos sobre las fotografías al utilizar Lightroom se adjuntan a los archivos como metadatos y se utilizan al visualizar o exportar la imagen. Esto permite que el flujo de trabajo sea no destructivo, con lo que la imagen original permanece así intacta.

Al hablar de metadatos, estamos hablando principalmente de dos tipos, EXIF e IPTC.

  • EXIF: los metadatos EXIF (Exchangeable Image File Format, o formato de archivo de imagen intercambiable) se ocupan de toda la parte técnica de la imagen. Estos almacenan información sobre a la cámara, el objetivo, obturador, exposición, temperatura de color, espacio de color, etc . La información EXIF se escribe cuando se crea, por ejemplo, al tomar fotos con la cámara.
  • IPTC: IPTC (International Press Telecommunications Council, o consorcio internacional de prensa y telecomunicaciones) se encarga principalmente del contenido de la imagen, su origen y las preguntas sobre los derechos de autor. Los metadatos IPTC también recogen información como el tipo de contenido de la imagen, lo que permite un manejo estandarizado a nivel internacional de los datos de las imágenes. Los fotógrafos profesionales no pueden dejar pasar esta información , sobre todo en para una mejor comunicacion con las agencias de prensa.

Los datos IPTC se pueden editar con facilidad en Lightroom. Por ejemplo, las palabras clave con las que se pueden diferenciar las imagenes, Lightroom las escribe en un campo adicional en los metadatos IPTC. Del mismo modo, la información general sobre los derechos de autor, la ubicación y el fotógrafo tienen cabida aquí. Como fotógrafo, debes tomarte unos minutos y rellenar los campos con toda la información importante.

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Falta de apoyo para los metadatos

Hasta el momento solo unas pocas aplicaciones trabajan con metadatos, pero cada vez son más. Los sistemas operativos aún no les dan el protagonismo suficiente. Pero sin duda es el futuro, ya que contienen más información que simplmemente el nombre de archivo y el nombre de la carpeta en la que residen. Su implantación está siendo progresiva.

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Podemos asociar palabras clave a una fotografía que también serán almacenadas como metadatos.

 

Almacenamiento de metadatos utilizando XMP

Lightroom escribe automáticamente los ajustes y metadatos en el catálogo. Pero también se puede indicar a Lightroom que escriba los cambios en un archivo XMP. Este es un formato de archivo creado por Adobe para corregir, al menos temporalmente, las insuficiencias de los sistemas operativos en el trato con los metadatos.

Con este tipo de archivo los metadatos, incluyendo EXIF y IPTC, puede ser exportados a un formato basado en XML. Por lo tanto, En el caso de archivos RAW, no se escribe en los archivos originales para evitar que estos se dañen. los metadatos XMP se almacenan en otro archivo llamado sidecar y que tiene el mismo nombre de archivo que la fotografía a la que está asociado.

Los archivos XMP son por lo tanto archivos independientes. Si borras el archivo original al que al archivo XMP está asociado, este permanece en el disco duro y al revés. No recomiendo cambiar el nombre del archivo XMP o al archivo RAW, ya que se pierde la referencia.

Gestión de Metadatos

Hasta aquí una explicación simple pero útil del concepto de metadatos. Pero ¿qué vamos a hacer con estos datos? La posibilidad de buscar información esencial como el contenido de la imagen, el tipo de cámara, los ajustes de grabación, etc., representa sólo el escalón más básico. Una organización efectiva de imagenes requiere más características. Para este propósito, Lightroom varias maneras de organizar las fotografías.

  • Colecciones: las imágenes en Lightroom se pueden almacenar en conjuntos o colecciones, que son grupos de fotografías con características similares. Los archivos no se transladan a la carpeta de la colección, sino que exclusivamente se crea un vínculo de la imagen en la misma. Por lo tanto, una sola fotografía puede pertenecer a varias colecciones. A qué colección o colecciones pertenece una fotografía está escrito en la base de datos de Lightroom.
    Cuando eliminas una imagen de una colección en  Lightroom, esta no se elimina realmente, sólo se elimina de la colección en la que se encuentra.

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Las banderas son pequeñas indicaciones que marcan el estado de la imagen. Se puede elegir entre “sin marcar “, ” marcada” y “rechazada”.
  • Filtros: Otra forma de clasificar las imágenes según sus metadatos, son los filtros de Lightroom. Podemos filtrar las imagenes por sus palabras clave, los datos técnicos de la cámara, banderas, estrellas, colores… prácticamente con cualquier dato de la fotografía. Cuando activas un determinado filtro, sólo las imágenes que contienen los filtros activos se mostrarán.

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Todas estas posibilidades de organización y filtrado las ofrece Lightroom gracias a el procesamiento de los metadatos.

¿Qué son los archivos RAW ?

Un archivo RAW es como un diamante en bruto. Ni tallado ni pulido, áspero y sin brillo. Es como el carrete de las cámaras analógicas justo después de sacarlo de la cámara para revelarlo. Por tanto, estos “negativos digitales” deben ser tratados posteriormente para obtener la calidad de imagen necesaria.

Los archivos RAW almacenan sólo información sin modificar que obtienen de la cámara, sin interpretarla o modificarla.

Película analógica

Con el fin de relacionar los archivos RAW con la película analógica de una forma clara, vamos a echar un breve vistazo al mundo analógico. Una película fotográfica (un carrete) se compone de varias capas:

Entre el material de base y la capa protectora hay tres capas sensibles al color. Dependiendo luz  penetre más o menos profundamente en esta capas de tinta  formadas por granos de haluros fotosensibles. La sensibilidad se determina por el tamaño de estos granos, de modo que cuando el tamaño de los granos es grande, mayor es el área que ocupa cada partícula, por lo que una menor cantidad de fotones que incida contra la emulsión será suficiente para producir la imagen latente, con lo el resultado será un tiempo de exposición más breve.

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1. Base de la película, 2. capa antihalo,3. Capa subyacente antiabarquillado, 4. La capa sensible a la luz roja, 5. La capa sensible a la luz verde, 6. Filtro Amarillo, 7. Azul capa sensible a la luz, 8. Filtro UV, 9. La capa protectora, 10. La luz visible.

La temperatura de color de una película analógica viene definida por su composición química. Las películas para luz de día tienen una temperatura de color de 5500K . Si se utiliza una película de este tipo para luz artificial , las imágenes resultantes tienen un color rojizo, cálido. Por lo tanto, hay películas especiales para tungsteno. Estos se establecen en el menor temperatura de color de aproximadamente 3400K .

Sensores digitales

¿Cómo es ahora la fotografía digital? Los sensores de las cámaras digitales se componen de pequeños elementos en forma de celosía. Cada elemento mide el brillo que recibe. Solo el brillo.

El valor de medición de la luminosidad se convierte en digital con una profundidad de 12 bits . Esto corresponde a un valor de 4096 gradaciones de brillo. Lo que significa que desde el negro absoluto al blanco absoluto hay 4095 tonos intermedios de grises.

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Del brillo al color

Si entendemos que el sensor solo capta la cantidad de luz y no el color ¿cómo es que el color en las imágenes digitales?

Para producir el color, se usa un filtro sobre el sensor. Puesto que un haz de luz es la combinación de rojo, verde y azul y que mediante estos tres colores se puede dar cualquier color imaginable, se necesitan sólo tres filtros. Se colocan en un patrón particular sobre los sensores. El patrón más comúnmente utilizado es denominado mosaico de Bayer.

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Hay otros patrones o filtros de color, pero que no son tan comunes. Por ejemplo el chip Foveon. Este no funciona como los otros sensores, en un solo plano, sino que, de forma similar a la película analógica, cuenta con varias capas. La ventaja es que cada píxel obtiene la información completa del color.

Dependiendo de la disposición del filtro y del fabricante de la cámara se utilizan diferentes algoritmos. Por lo tanto, el tipo de filtrado es una característica de calidad de los programas de RAW

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¿Por qué disparar con RAW?

Cuando las imágenes se almacenan en formato JPEG o TIFF en la cámara, los datos RAW se procesa de la misma, junto con otra información. Con los siguientes resultados :

  • Los datos de brillo RAW se mezclan con los datos de color obtenidos por el filtro (mosaico de Bayer).
  • Se le agrega la información disponible a través del balance de blancos de la cámara.
  • Se aplica un filtro de nitidez a la imagen.
  • La imagen se guarda automáticamente por la cámara en una profundidad de color de 8 bits y después se comprime en formato JPEG lo que, como ya sabemos, produce pérdidas.

Los méritos de las imágenes RAW, por otra parte, son obvios. Con el formato RAW se consigue un mayor control y precisión:

  • Se tiene control total durante todo el proceso de desarrollo de las imágenes.
  • Los datos RAW no se reducen a una profundidad de color de 8 bits, por lo que son más precisos y detallados
  • No existe ninguna restricción a la hora de elegir el perfil de color en lugar de un perfil de color previamente asignado como sRGB .
  • Se puede utilizar una imagen RAW como un “negativo digital”. El propio archivo RAW permanece intacto.
  • Los datos del brillo son reales y facilmente manipulables.
  • No hay errores o artefactos por culpa de la compresión.
  • En las imágenes RAW se obtienen mejores resultados en las sombras y altas luces.

Obviamente también existen desventajas:

  • Es un proceso más lento.
  • Los archivos RAW son mucho más pesados (ocupan mas espacio)
  • Se debe utilizar un programa especializado, como Lightroom, capaz de leer el formato RAW antes de poder visualizarlas o imprimirlas.

 


Reglas de Oro de la Fotografí­a (I)

En la fotografía soy autodidacta y, por tanto, tiendo a no darle mayor importancia a leyes, reglas o normas… fotografío lo que quiero como quiero, lo que me transmite en cada momento. Hoy en dí­a es muy fácil que cualquiera se llame “fotógrafo”, la mayoría de las cámaras ya lo hacen todo solas: enfocan, disparan flash si es necesario, escogen el mejor balance y los ajustes preestablecidos para cada ambiente.

Aun así, he comprobado como poco ha poco he ido cumpliendo con lo que llamo las “Reglas de Oro”, un conjunto de normas que, aunque no sepas que existen, poco a poco las vas cumpliendo sin querer.

No son unas reglas que deban cumplirse, pero si es recomendable tenerlas en cuenta. Yo siempre digo que las reglas las pone el fotógrafo, que es el único que sabe cómo y qué quiere captar en una fotografía. Solo la práctica hará que el fotógrafo aprenda, casi de manera instintiva, a encuadrar correctamente una fotografía.

Ley del horizonte

Horizonte

Consiste en dividir la imagen en tres partes: El motivo principal debe ocupar más o menos 2 de estas tres partes y dejar el motivo secundario para la parte restante.

El ancho de estas partes suele ser igual, pero puede también variar en función de las características de la imagen.

Por último, decir que aunque sea la “regla del horizonte”, no es necesario que haya horizonte propiamente dicho, con que la imagen tenga una composición mayoritariamente horizontal será suficiente para poder aplicar correctamente esta norma.

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Ley de la mirada

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Esta es una regla que a mi particularmente me gusta romper de vez en cuando. Consiste en dejar la mayor parte del “aire” en el lado hacia donde mira la persona (animal o cosa) fotografiada. Incluso es posible cortar el objeto principal por su parte posterior si el fondo o motivo secundario es importante o si es un primer plano.

Es importante tener en cuenta una cosa: que coincida el porcentaje de aire con la importancia de lo que se muestra.

 

Regla de los tercios

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Es la más conocida. consiste en dividir la imagen en tres partes iguales, tanto horizontal como verticalmente cada cruce que forman las lineas imaginarias es un “punto clave” y es recomendable hacer coincidir los objetos principales con alguno de estos puntos.

Es posible y hasta recomendable, cuando se pueda hacer, cumplir las tres leyes de La Regla de Oro en una misma fotografía, pues estas no solo son perfectamente compatibles entre sí, sino también complementarias.

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Fotografiando humo de forma sencilla

Tanto para fotógrafos profesionales como para los aficionados, estas fotografías ofrecen muchas opciones ya que es imposible sacar dos fotografías exactamente iguales.

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Equipo necesario

  • El estudio: necesitamos un lugar donde realizar la fotografía. Para esta ocasión no hace falta que sea nada demasiado grande, aunque si debemos asegurarnos de que no hayan corrientes de aire.
  • Barritas de incienso: Yo recomendaría elegir un olor de incienso que nos resulte atractivo, para trabajar a gusto, aunque también puedes simplemente coger el más barato.
  • Un fondo negro (recomendación): No es necesario, pero para aislar correctamente el humo es recomendable utilizar un fondo negro y que este se encuentre a una distancia prudencial de la barrita de incienso.
  • Un flash (o dos): necesitaremos que estén separados de la cámara y apoyarlos en algún sitio (tripode, pie, montón de libros, etc.)
  • La cámara: resulta una obviedad, pero hay que incluirla en la lista.

 

Esquema de trabajo

El siguiente esquema muestra de una manera sencilla dónde se coloca cada cosa.

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Este es el esquema de trabajo: frente a la cámara la barrita de incienso (lo que genera el humo), a la izquierda el flash, que disparará la luz contra el humo. Es posible colocar un segundo flash a la parte derecha, lo que dará otros resultados. El incienso debe estar colocado de forma más o menos vertical y sujetado en un porta-inciensos (no son caros), o en un vaso o botella, algo que aguante el peso sin caerse y no se queme cuando  le caiga la ceniza.

El flash no debe rebotar en el fondo negro, porque si lo hace se verá. El truco es que el flash apunte al humo (puedes utilizar un snot para hacerlo más sencillo) y manejar los valores de la cámara para que aisle el fondo.

Un snoot es una especie de tubo que hace que la luz de flash se concentre en un punto

 

Configuración del equipo

Llega a la configuración: El flash en modo manual con una potencia del 75%. La cámara la configuramos inicialmente a 1/160 con ISO 100. Es difícil enfocar el humo, así que es aconsejable desactivar el enfoque automático y enfocar manualmente solo una vez. Además trabajar con un número f alto dará mejores resultados. Yo suelo empezar con 8 de apertura, pero voy jugando con la apertura y la intensidad del flash hasta que consigo estar satisfecho con el brillo del humo. La mayoría de las imágenes las tomarás con diafragma de 7 a 11. Obviamente estos valores van a variar dependiendo de tu flash, tu cámara y tu objetivo.

Debes intentar no quemar ninguna parte del humo. Este tipo de imágenes ganan mucho cuando puedes apreciar el volumen generado por los distintos tipos de luces.

Y entonces, sólo se necesita un montón y un montón de fotos. El calor que emite el flash en algunos casos es suficiente por si mismo para mover el humo. Además, puedes utilizar elementos como una cuchara o un papel para dar al humo una dinámica distinta.

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Vas a ver que surgen formas distintas una y otra vez. Especialmente remolinos simétricos de aire caliente. A partir de ahora todo es fácil, solo es cuestión de cantidad, experimentación y paciencia. Yo suelo hacer cerca de 200 imágenes por sesión, de las que guardo un número indeterminado que varía entre 5 y 20 (hay que ser exigentes). Se que parece en número muy pequeño. Al no poder controlar 100% el humo, muchas fotos van directas a la basura (menos mal que vivimos en la era digital), pero las que se salvan realmente merecen la pena. No hace falta decir que es recomendado trabajar en formato RAW.

 

Juega con el humo

Tienes que ser creativo. Juegan. Cambia el flash de lugar, utiliza filtros de colores, juega con el humo con tus manos, con un tenedor… Puedes conseguir efectos increíbles  de una manera muy sencilla. Si dispones de un disparador… ni hace falta que te acerques a la cámara.

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La parte 2 del tutorial: Photoshop fumaba

Más adelante veremos como sacarle el máximo partido a estas fotos trabajando con el humo en Photoshop.


Lightroom: día 2. Conceptos básicos

Flujo de trabajo

Desde el principio el flujo de trabajo en la fotografía era de forma no destructiva. Es decir, el original, después de que se ha grabado con la cámara ya no se cambia . Sólo había duplicados creados de la misma. La calidad de la imagen se mantenía.

En lo que respecta a la fotografía, salir del cuarto oscuro para entrar en el mundo de la fotografía digital fue, sin duda alguna, un gran avance. Al poder recibir los datos directamente en el sensor y estos ser almacenadoes en formato RAW, es posible separar negativo “original” y las diversas copias digitales entre sí . Para la generación de copias se requiere un software especial, que pueda trabajar con el formato RAW. Photoshop Lightroom es una de las mejores aplicaciones que permiten un flujo de trabajo no destructivo completo en nuestro ordenador.

Pero, ¿qué se entiende por “no destructivo”? Lo que esto significa es que cualquier cambio sobre la imagen no cambia la información original de la imagen. Lo que quiere decir que siempre podremos volver a la imagne original, sin alterar. Aun así, existen varias formas de destrucción de estos datos contra las que debemos pelear.

Destrucción por culpa del desenfoque

Los datos que nos aporta una fotografía no son nada más que información de color y brillo de los pixeles. Cuando el enfoque del objetivo no es correcto, los datos de los pixeles se mezclan con los de los pixeles adyacentes. Y cuanto mayor es el desenfoque, estos datos se mezclan con los de pixeles más alejados.

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Tanto si está desenfocado como sobre-enfocado, la pérdida de información es irrecuperable.

Si el contraste es tan bajo que ya no puede distinguir entre dos píxeles adyacentes, la información de detalle también se pierde. No debemos tener niguna duda: vamos a perder información en nuestra fotografía debido a nuestra falta de destreza y a las limitaciones producidas directamente por nuestro equipo.

Destrucción por culpa del ruido (de color y luminancia)

Puedes leer más información en el tutorial para reducir el ruido de una fotografía con Lightroom.

Destrucción por culpa del brillo

Si ajustamos los valores de la cámara, la imagen se hace más brillante o más oscura y todos los píxeles se aclaran u oscurecen juntos. Pero existe un problema:

En las zonas más oscuras de la imagen un píxel negro no puede ser aún más negro. En las zonas más claras, los píxeles que ya son blancos no pueden ser más blancos. por tanto, los que son casi negros se “fusionaran” con los negros y los que son casi blancos se “fusionarán” con los blancos, y toda la información que distinguia a unas zonas de otras se pierde.

Destrucción por compresión

Otra forma de degradación de la imagen es mediante la compresión de los datos de la fotografía. Una compresión es la reducción del tamaño de los datos por omisión de información importante o repetida. Se hace una distinción entre las compresión sin pérdidas y la compresión con pérdida.

Compresión sin pérdidas:

En la compresión sin pérdidas, los datos antes de la compresión y después de la descompresión son los mismos. Esto significa que no tiene lugar ningún cambio en el contenido de la imagen y por lo tanto los detalles capturados en la imagen siguen tal cual se tomaron. Y esto se realiza comprimiendo únicamente el contendio duplicado.

La información se almacena sólo una vez. Tal vez podría ser más fácil de entender con el siguiente ejemplo:

“Al(1) tiempo(2) tiempo(3) le(4) pido(5) y(6) el(7) tiempo(8) tiempo(9) me(11) da(12)”

cada número escrito junto a cada palabra indica la posición de esta palabra en la frase. Pues bien, como la frase tiene varias palabras repetidas podríamos escribirla de la siguiente manera:

“Al tiempo (2) le pido y el (2) (2) me da”

Dado que la palabra “tiempo” está en la posición 2 y se repite varias veces, podemos hacer referencia a qué palabra es y no escribirla directamente. De esta manera, son menos los datos (letras) que contiene la frase y por tanto se puede almacenar ocupando menos espacio. El formato TIFF, por ejemplo, permite esta compresión.

La compresión con pérdida:

En este tipo de compresión es consciente de la información de la imagen omitida. Dependiendo del factor de compresión esta será mayor o menor. Este tipo de compresión no tiene sentido para textos, pero si funcionan con datos de fotografías y vídeos. Básicamente, y por explicarlo de una manera muy sencilla, el sistema funciona más o menos de la siguiente manera:

Tenemos cuatro pixeles rojos. el primero es rojo al 25%, el segundo es rojo al 90%, el tercero es rojo al 92% y el cuarto es rojo al 50%. Si aplicamos una compresión pequeña, el sistema, para ahorrar entiende el segundo y el tercero como un rojo al 91%, con lo que realmente solo tiene que almacenar información de 3 colores distintos. Si aumentamos la compresión incluirá al cuarto color (el rojo al 50%) como si también fuera el mismo color “no es el mismo, pero se le parece”. Cuanto mayor es el grado de compresión menos colores almacena. Obviamente, esto implica un descenso brusco en la calidad de la imagen. El formato JPEG trabaja utilizando este sistema de compresión.

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Metadatos en Lightroom. Flujo de trabajo sin destrucción

En un flujo de trabajo no destructivo, los cambios realizados en la imagen no se incluyen en ella, sino que se “adjuntan” en algo llamado metadatos. Esto permite el acceso inmediato a la imagen original. En la imagen puedes ver algunos de los metadatos que incluye una fotografía.

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No destructiva significa que – sin importar lo que hagamos a nuestra imagen – los cambios no tienen ningún efecto sobre la imagen original, sino que se guardan como metadatos. Cuando se abre la imagen con un software adecuado, estos datos se leen conjuntamente y se agregan a la imagen. El cálculo de los datos de imagen es relativamente complejo y puede tomarse un tiempo en función del tamaño de la imagen y de nuestro ordenador. Para acelerar este proceso, programas como Lightroom ofrecen unas vistas previas de las imágenes en un tamaño considerablemente más pequeño. Estas se utilizan en lugar de la imagen original. Las vistas previas sólo se recalculan al cambiar los parámetros que afectan el contenido de la imagen. Esto acelera el trabajo enormemente.


Reducir el ruido de una fotografía

Básicamente, hay que diferenciar entre dos tipos de ruido diferentes. Por un lado tenemos la luminancia y por otro el ruido de color.

La luminancia

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La Wikipedia define el ruido de luminancia parece como variaciones de luminosidad en la imagen, se nota sobre todo en superficies que deberían tener un color uniforme.

El ruido de color

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El ruido de crominancia aparece como puntitos de colores de manera aleatoria.

Es el ruido más fácil de eliminar con un software de filtrado anti-ruido, pero se pierde fidelidad en los colores.

Como bien explica Hugo Rodriguez en su blog, El ruido de luminancia o luminosidad es aquél que provoca irregularidades de “claridad”, pero no hace aparecer colores falsos. Es decir, el que podríamos denominar “estándar”. En cambio, el ruido de color es aquél que afecta de manera diferente a los canales de la imagen y hace aparecer colores falsos. Típicamente, se trata de manchas de color cálido y frío (ámbar y azul, en términos no fotográficos).

Eliminar el ruido con Lightroom

En estos casos, siempre empiezo con el ruido de color. Amplio la imagen al 100% para tener una visión “realista” de lo que tengo delante. Ahora muevo el deslizador de color a la derecha hasta que el ruido de color se ha ido. Este es el caso en un valor de 60. Esta corrección tiene como negativo que los colores pierden viveza y aparecen como “lavados”. Si quieres un trabajo más cuidado, siempre puedes realizar este ajuste por zonas, en función de la reducción requerida.

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En algunas ocasiones, el deslizador de contraste ayuda a un aumento de la calidad, aunque en la mayoría de las fotografías este controlador prácticamente no tiene ninguna importancia. Por último, deslizo el controlador de luminancia hasta el valor oportuno, en este caso fue de +69.

Por último, vamos a echar un vistazo al antes y después y podremos comprobara como Lightroom ha hecho su trabajo.

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Cuando realices este tipo de ajustes, debes tener en cuenta que siempre hay pérdida de calidad. De ti depende encontrar el punto adecuado entre perdida de calidad y la reducción del ruido.


Entendiendo los puntos por pulgada (ppp)

La mayoría hablan de oí­das pero sin saber realmente lo que dicen “me recomendaron 300 así­ que si me preguntan diré que hay que usar 300″. Otras veces, la duda es la diferencia entre p.p.p. y d.p.i.

¿Alguien sabrí­a diferenciar a simple vista cual de las dos imagenes que he puesto está a 72 PPP y cual a 300 PPP ? No, ambas tienen la misma resolución en pixeles, son idénticas. Entonces… ¿son importantes los puntos por pulgada? Si, sin duda… si se va a imprimir la fotografí­a.

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¿Qué son los puntos por pulgada?

Los puntos por pulgada (PPP) del inglés dots per inch (DPI) es una unidad de medida para resoluciones de impresión, concretamente, el número de puntos individuales de tinta que una impresora o toner puede producir en un espacio lineal de una pulgada. Por lo tanto, es un dato insignificante para las pantallas y dispositivos electrónicos, pero importante para las impresoras y escáneres. Ni siquiera es indicativo de calidad. Lo realmente importante será el tamaño, la resolución.

Pero no por guardar una fotografí­a a 1000 PPP va a salir con una calidad asombrosa, la impresora también tiene mucho que decir en este aspecto ya que habrá impresoras que no puedan imprimir a mas de 600 PPP (por ejemplo). Una impresora doméstica rara vez superará los 1200 PPP.

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Tampoco hay que confundirse, NO EXISTE RELACIÓN ENTRE PIXELES Y PUNTOS POR PULGADA. La gente tiende erróneamente a pensar esto, en gran parte por culpa de Photoshop que cuando cambias los puntos por pulgada remuestrea la imagen haciendola más grande, pero esto es una de las grandes cagadas de photoshop, ya que lo hace perdiendo calidad.

Solo hay dos excepciones donde los PPPs tienen algo que decir: la primera es al escanear y la segunda algunos programas de maquetación y diseño gráfico.

A la hora de escanear, los PPPs establecen la resolución del escaneado, y por tanto el número final de pixeles. A mayor PPP, mayor cantidad de muestras (pixeles). Pero una vez que la imagen está digitalizada, el concepto PPP se pierde por completo.

Por otro lado, algunos programas son capaces de redimensionar las imágenes pero, como he dicho anteriormente, esto repercute en la calidad final de la misma.

Entonces, ¿lo de los 72 ppp?

¡Olvidalos! Es inutil. No sirve para nada. Un monitor no distingue entre una imagen a 72 ppp y otra a 1200 ppp. Distingue entre imágines a 640×480 pixeles e imágenes a 1800×1200 pixeles. El número 72 fue elegido hace mucho tiempo para un caso concreto, una pantalla concreta, podría haber sido cualquier otro número.

Así­ pues. Olví­date de los ppp si no vas a imprimir la imagen. Céntrate en los pixeles. Si vas a imprimir la imagen, preocupate por los pixeles y los ppp.

Parte de la información de la que hablo aquí esta sacada de Wikipedia y de Diario de un infografista.


5 preguntas de fotografía básicas

¿Cómo puedo hacer que el fondo se vea borroso?

Así que has has hecho un bonito retrato de su hijo recién nacido, con una hermosa luz y una expresión maravillosa y pacífica y en el que, a 10 metros en el fondo, se ve a su hermano mayor, hurgándose la nariz. La foto a la basura, ¿verdad? Si hubieras sabido cómo difuminar el fondo, entonces podrías haber conseguido el 100% de la atención del espectador en el recién nacido.

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El truco para desenfocar el fondo es tan sencillo como controlar la profundidad de campo. La forma de hacerlo es disparar con una gran apertura. Es posible ajustar manualmente la cámara con una gran apertura, se puede configurar la cámara en modo de prioridad de apertura y dispara con una amplia apertura (F/1.4-f/5) o se puede configurar la cámara en modo retrato (pero no deberías hacerlo si tienes algo de experiencia).

¿Cómo puedo hacer que el fondo se vea bien definido?

Otra situación común es encontrar el escenario perfecto. Al atardecer, el sol, un poquito de nubes, colores cálidos… La escena es perfecta y quieres tomar una foto. Al llegar a casa, te encuentras con que una piedra en primer plano está perfectamente enfocada, pero el resto de ese glorioso paisaje está borroso. ¿Qué ha pasado?

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El truco para este tipo de fotografía consiste en aumentar la profundidad de campo para que todas los de la escena esté enfocada (o casi), desde el primer plano hasta el horizonte. Esto se hace disparando con una abertura pequeña (f/16 a f/22). De hecho, el F22 se conoce en muchos círculos fotográficos como la apertura “cuenta historias”, lo que significa que casi la totalidad de la escena estará enfocada. Ajustar la apertura manualmente o disparar en el modo de prioridad de apertura pueden hacerte conseguir la foto que buscabas.

¿Por qué el cielo en mi fotografía no es tan azul como lo recuerdo?

Mucha gente quiere hacer una fotografía un día soleado, cuando las nubes son blancas y el cielo es un azul profundo. Luego, cuando ven las imágenes en su ordenador, se dan cuenta de que el cielo es azul, pero no tan azul… un poco descolorido. ¿Qué ha pasado? El hecho es que la mayoría de cámaras tienen dificultades para producir los colores fuertes.

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Existen varios remedios para esto, pero el más sencillo es volver cuando el sol no sea tan fuerte. Si esto no es posible, entonces puedes intentar algunas cosas. Dispara con una abertura pequeña (f/16 o f/22). Utiliza un filtro ND para absorver algo de luz. Considere la posibilidad de usar también un filtro polarizador. Cada una de estas tácticas sirve para restringir la cantidad de luz que llega al sensor. Teóricamente, esto se traducirá en unos colores más fuertes.

¿Por qué las fotos con flash se ven tan duras?

Estás en una fiesta o en un lugar oscuro y decides hacerte unas fotos con tus amigos y te ayudas del flash. El problema es que se ven como un ciervo encandilado por los faros de un coche. El flash domina la toma y baña todo en una luz blanca y dura en la que se diluye la fotografía.

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Una vez más, no te preocupes. Hay un par de cosas diferentes que puedes hacer para mejorar el resultado. En primer lugar, puedes empezar por la difusión de la luz del flash de varias formas posibles. Pon un pedazo de material delante del flash (como un papel o un pañuelo de color claro) o, aun mejor, consigue un difusor para el flash. Otra opción (si es posible) es redirigir el flash para que rebote la luz en el techo, pared u otra superficie lo suficientemente grande. Esto se traducirá en una luz más difusa, más agradable.

¿Por qué mis fotos no son buenas?

Este problema es un poco más difícil de solucionar, pero por lo general comienza a arreglarse cuando comparas tus fotografías con las de un fotógrafo técnicamente competente, que ha realizado fotografías similares y preguntarse por qué las imágenes son tan diferentes.

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Ahora, pueden haber muchas razones para ello. Pero también hay un error que el 90% de los nuevos fotógrafos hacen. Se quedan muy lejos del objetivo (de lo que quieren fotografiar). Una gran parte de la buena composición en la fotografía está en el cuerpo (y en los pies) del fotógrafo, debe moverse, acercarse a aquello que quiere fotografiar (siempre respetando las medidas de seguridad oportunas) y conseguir un mejor encuadre.


Configuración básica de tu cámara

Yo mismo empecé así. Ahora, desde la perspectiva que me da la experiencia, se que es mucho más inteligente comenzar con una buena base fotográfica antes de entrar en las técnicas de post-producción. Retocar una buena fotografía y hacerla aun más buena es mucho más fácil que intentar conseguir que una mala fotografía sea muy buena echándole horas de Photoshop.

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Todos sabemos la gran cantidad de recursos que a día de hoy están disponibles para nosotros en internet. Tenemos disponible teoría y práctica, tutoriales, videos y miles de archivos de ejemplo, fotografías de stock y demás. Algunos son extremadamente básicos y otro profundamente complejos. Pero es interesante filtrar esa información y concentrarse en lo que realmente necesitas, no intentar correr antes de saber andar.

Un gran fotógrafo me dijo en cierta ocasión que antes de hacer una fotografía debía conocer las reglas y luego, si lo consideraba apropiado, podría romperlas todo lo que quisiera. Es un poco como un profesor de matemáticas en el colegio. En la universidad estudió matemáticas complejas, pero en su día a día no utilizará nunca las derivadas.

Debes tener una buena base, conocer las reglas aunque luego no las utilices. Te aseguro que en tus fotografías, aunque no te des cuenta, se notarán tus conocimientos.

En este artículo apenas hablaré de teoría, de aperturas de diafragma, de velocidades o de qué es la ISO. Más bien este es es escalón más bajo del aprendizaje.

Parámetros de Cámara Básicos

Para entender tu cámara debes querer tu cámara. Suena ridículo pero léete el manual de la cámara, te garantizo que aprenderás mucho más de lo que crees sobre su funcionamiento por dentro y por fuera. Además muchos incluyen ejemplos y consejos para mejorar tus fotografías. Practica y vuelve a leer el manual las veces que necesites.

Antes de grabar siempre debes verificar los siguientes ajustes:

  • ISO: siempre controlo lo primero la ISO. Debes tenerla como base entre 100 a 200 y subirla sólo cuando sea absolutamente necesario (por ejemplo, si no puedo utilizar la luz artificial y no puedes bajar la velocidad de obturación) . Cuanto más alta sea la ISO (números más altos), peor será la calidad de la imagen y mayor el ruido (grano). Algunas cámaras tienen tecnología de sensores que puede manejar un mayor valor ISO sin afectar drásticamente la calidad de imagen.
  • Balance de blancos: (guardar tus fotos en formato RAW significa que los errores en el balance de blancos son más fáciles de solucionar, sin embargo, te ahorrará el tiempo de post-producción si ajustas correctamente la cámara). Tenemos que ajustar balance de blancos para la temperatura de color de una fuente de luz particular. Si no, los colores no serán exactos a la vida real y adquieren un cierto tinte, como el azul o el verde. Hay algunas maneras de establecer correctamente el balance de blancos , como utilizar una tarjeta gris o blanca o ajustar el balance de blancos en grados Kelvin . La mayoría de las cámaras réflex digitales contienen una variedad de preajustes de balance de blancos que hacen un gran trabajo. El uso de balance de blancos automático normalmente añade más trabajo en post-producción debido a su poca calidad. Es necesario tener especial cuidado con los ajustes de balance de blancos si disparas en JPEG , ya que tu margen de maniobra para hacer correcciones posteriormente se reduce considerablemente.
  • Formato de archivo: Siempre RAW. Hay un montón de discusiones en internet en relación con la pelea “RAW vs JPEG” si quieres tener más información. Personalmente elijo RAW  porque conserva la información mientras que JPEG es un formato que comprime la información, lo que significa que el archivo pierde calidad para lograr ocupar menos espacio. Debido a esta pérdida de información no tiene casi ninguna flexibilidad para hacer  correcciones o ajustes posteriormente. Además, los archivos JPEG pierden información (se degradan) cada vez que se abre y se guarda. El formato RAW permite conservar la mayor parte de la información de luz y color y ofrece un mayor control en la post-producción.

Objetivos

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Contrariamente a la creencia popular, no es necesario el objetivo más nueva y más grande o una gran colección de diferentes objetivos “imprescindibles” para el retrato , estilo de vida , de la boda , etc. Estoy seguro de que ya has leído mucho sobre objetivos en otros blogs. La mayoría de los fotógrafos hacen el mismo tipo de fotografía la mayoría de las veces , por lo que perfeccionan su colección de objetivos para adaptarse a sus necesidades. Es muy fácil conseguir una gran colección de objetivos, desde un ojo de pez hasta un gran teleobjetivo. Pasado un tiempo comprobarás que siempre usas los mismos y el resto solo te sirvieron para perder dinero.

 

Ejemplos de los básicos de fotografía

  • 50mm (retratos)
  • 24-70mm (general)
  • 10 -20mm f / 4 (arquitectura y paisajes)
  • 85 o 100 mm 2.8 Macro (primer plano)

 

  • Para fotografía de estudio: objetivos de distancia focal larga (por encima de 100 mm) para evitar la distorsión.
  • Para la moda y fotografía de Editorial: gran angular, la elección dependerá del objeto.
  • Para Retratos , Boudoir , etc.: objetivos de focal fija con un número de aberturas más pequeñas son ideales (50mm-85mm con una f inferior a f/2). Esto es muy bueno cuando se buscan desenfoques, suavidad.
  • Para arquitectura: objetivos descentrables (17mm TS-E) para corregir todas las distorsiones.
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  • Para paisaje: gran angular para captar todo el paisaje y dar sensación de apertura.
  • Para naturaleza: un teleobjetivo con una gran distancia focal para poder fotografiar animales sin tener que acercarte demasiado. Imprescindible trípode.

Por supuesto, estas sugerencias son solo una básica muy básica y posiblemente no sean correctas para tu caso en particular. Pero ahí está la idea.


La luz #1 Conceptos Básicos para fotografía

He leído incontables libros que tratan sobre arte tradicional y digital y el tema de la luz siempre parece ser tocado muy ligeramente (perdón por la puya). Cualquiera que desee crear la ilusión de realidad debería tener una buena comprensión de cómo se comporta la luz en el mundo físico.

Introducción

Los peores culpables en mi opinión son los libros de 3D, que repíten las mismas viejas cansadas fórmulas de siempre y dejan a los artistas principiantes una visión muy ligera de cómo iluminar sus escenas. El resultado es que la luz está mal entendida y pobremente usada por los artistas digitales en general. Fotógrafos e ilustradores necesitan tener un mejor entendimiento de la luz, ya que la luz es un elemento crucial de cualquier arte. Sin entenderla bien, es muy difícil conseguir el realismo, por no hablar de la atmósfera.

Como nunca he encontrado un artículo detallado sobre la luz en internet, he decidido escribir éste. La mayoría de lo que escribo aquí está basado en mi propia observación, así que puede haber alguna imprecisión extraña. Puede ser que sea tan obvio que no necesite ser explicado, pero me parece que la observación del mundo que nos rodea es necesaria para darse cuenta exactamente de cómo la luz se comporta en diferentes situaciones

1ª Parte: Conocimientos básicos

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Durante este artículo voy a utilizar un diagrama de una bola blanca sobre una tarjeta también blanca para demostrar cómo la luz se comporta en diferentes situacines cotidianas

Aquí muestro un mediodía soleado. La fuente de luz principal es la luz del sol, mientras que el cielo azul aporta una segunda fuente de luz con características muy diferentes. Otra luz rebota entre la tarjeta blanca y la bola, y aporta una tercera fuente de luz.

La luz más brillante es la luz que proviene del sol y es una luz blanca que emana de una fuente pequeña, lo que causa que provoque sombras con un filo muy marcado. La segunda fuente, el cielo azul, es una fuente de luz muy amplia, y como resultado las sombras están muy suavizadas (que en cualquier caso estan completamente disimuladas por la luz directa proveniente del sol). Entraré en más detalle sobre las fuentes de luz y el tamaño de las sombras más adelante, pero por el momento, recuerda que cuanto más pequeña es la fuente de luz, más duras son las sombras.

La luz proveniente del cielo azul emite un color muy fuerte que afecta a todo en esta escena. La sombra proyectada por la bola es azul porque está iluminada por la luz del cielo, mientras que la bola la está escudando de la luz blanca del sol. Las partes de la bola que no están en la luz del sol directa también toman un tono azul, porque estan iluminadas por el cielo azul.

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Finalmente, la luz que se refleja entre la tarjeta y la bola es también predominantemente azul (incluso cuando la tarjeta y la bola son blancas) ya que se trata de la luz azul del cielo que está siendo reflejada por los objetos blancos. Las superfícies que están más próximas entre sí reciben más de esta luz reflejada que las áreas que estan alejadas entre sí, así pues, la parte inferior de la bola está más iluminada que la parte central porque está más próxima a la tarjeta blanca.

Las áreas más oscuras de la imágen son la base de la proyección de la sombra y el borde entre las areas soleadas y la sombra de la bola: Esta zona se llama el terminador. La base de la sombra proyectada es muy oscura, porque no recibe la luz del sol y también la bola la está tapando de la mayoría de la luz del cielo y la luz rebotada. El otro lado de la sombra proyectada es más clara porque recíbe más luz del cielo y también rebotada de la propia bola.

¿Por qué es el centro la zona más oscura de la bola?

Parcialmente por el efecto de contraste, estando tan cerca del lado brillante de la bola bajo el sol, que lo hace aparecer oscuro, pero también está recibiendo menos cantidad de luz rebotada, reflejada de la tarjeta blanca. A diferncia del resto de la bola, que recibe tanto la luz del sol completamente como la luz reflejada de la tarjeta blanca, su fuente de iluminación principal es el cielo azul. Se trata del area que hay entre la luz principal (el sol) y la luz de relleno (la reflejada por la tarjeta)

¿Por qué es azul la luz del cielo?

La luz visible está hecha de pequeñas partículas llamadas fotones; estas partículas tienen diferente longitud de onda dependiendo de su color: La luz azul se comprende de partículas con una longitud de onda más corta, mientras que la roja está hecha de partículas con la longitud de onda más larga.

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La luz blanca del sol está hecha de un contínuo espéctro de colores que, convencionalmente, se dividen en los colores del arcoíris (con longitudes de onda progresivamente más largas: violeta, indigo, azul, verde, amarillo, naranja y rojo). Es la mezcla de estos colores la que produce el blanco.

Sin embargo, lo que le ocurre a la luz cuando viaja por la atmósfera de la Tierra es que las longitudes de onda más corta se desvían. Nuestra atmósfera está hecha de varios gases y los átomos y moléculas de las que esta formada estan suspendidas dentro de ella. Los fotones que viajan a través de la atmósfera físicamente colisionan con estas partículas atómicas. Esta colisión desvía los fotones y los hace rebotar en otra dirección. Las longitudes de onda más cortas son más susceptibles de ser desviadas que las largas, así que los fotones que son desviados en todas direcciones por estas colisiones son predominantemente azules.

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En un día despejado la luz azul desviada por la atmósfera terrestre brilla sobre todas las cosas alrededor nuestra.

Las longitud de onda más largas, como el rojo, pueden viajar más lejos a través de la atmósfera sin ser desviada. Es por eso que las puestas de sol son rojas: como la luz viaja a través de una capa de aire más gruesa para alcanzarnos cuando esta más baja en el cielo, un montón de luz azul se pierde durante el scattering, y la luz que queda es predominantemente roja.

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La luz del sol brilla roja al atardecer porque las longitudas de onda azules más cortas se han perdido debido al scattering. *Date cuenta sin embargo de que la luz azul se refleja de la parte este del cielo y actua como luz de relleno en las olas en primer plano.

El efecto del rebote de los fotones azuels en todas direcciones es que la atmósfer de hecho brilla con luz azul, un efecto que es claramente visible desde el espacio. Esta luz azul es lo suficientemente fuerte para iluminar areas que no están expuestas directamente a la luz del sol, lo que hace que todavía puedas ver cuando estás bajo una sombra.

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Las sombras en esta foto tiene una proyección azul muy fuerte porque están siendo iluminadas por el cielo azul.

Rebotes de luz

Cuando la luz golpea en una superfície, o bien rebota, o bien es absorvida por ella, dependendiendo del color que sea la superfície. Un objeto blanco reflejará todas las longitudes de onda por igual, mientras que un objeto negro las absorverá todas. Cuando la luz golpea una superfície roja las longitudes de onda azules y verdes son absorvidas y la luz roja es reflejada (estoy utilizando los colores primarios en vez del espectro completo aquí, en favor de la simplicidad)

Así, si la luz blanca golpea una superfície roja, los fotones que esta superfície refleja serán rojos. Cuando estos fotones golpean la siguiente superfície que encuentran en su camino estarán logicamente iluminandola con luz roja. Este fenómeno se denomina radiancia y por este motivo, los colores de los objetos adyacentes tendrán un efecto en el resto.

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La luz reflejada de esta persiana venciana proyecta el color de la madera en la pared.
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El abdomen trasero de esta abeja ha sido fuertemente influenciado por la luz roja, reflejada de la flor.

La radiancia es usualmente un efecto muy sutil, y necesita de una gran cantidad de luz para que se vea. Con una luz suave o disminuida puede no ser visible en absoluto, sin embargo con una luz brillante puede añadir un montón de color a los objetos que afecta. Si la luz se refleja entre objetos del mismo color puede crear puede crear un efecto muy saturado, ya que la luz rebotada refuerza el color existente de la superfici subyacente, haciendo que el color brille vívidamente – Se puede ver este fenómeno a veces en la luz del día.

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Como la luz rebota entre estas tiras de madera, el color se realza por el hecho de que la luz del mismo color se refleja de nuevo en sí misma. El resultado es que la luz coloreada y la superfície subyacente se combinan para crear una versión saturada y resplandeciente del color de la madera original.

Valores alto y bajo

El cómo elegimos representar una escena es algo subjetivo a abierto a la interpretación. La mayoría de las situaciones tendrán un balance entre luz y sombra que produciran una media o un grís medio, porque eso es lo que percibimos como normal. Aunque hay algunas situaciones en las que el orden natural de las cosas tiende hacia un extremo de luz o de sombra como por ejemplo la niebla o la niebla en contraposición a una escena nocturna. Alternativamente, un artista puede elegir enfatizar uno de estos extremos para conseguir un impacto visual, o transmitir un sentiemiento específico.

Valor alto

Las imágenes con valor alto tienen una predominancia de blanco o tonos muy suaves y tienden a tener una apariencia ligera y etérea. La iluminación con valores altos es a menudo (pero no siempre) suave, y hay poco detalle, generalmente. En la naturaleza, la iluminación de valor alto se encuentra en la niebla y en la nieve, donde incluso las sombras son suaves debido a la cantidad de luz reflejada que rebota.

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La aparente simplicidad de esta fotografía se crea por la paleta tan limitad que utiliza: blanco y algunos grises oscuros y negros

Valor bajo

Las imágenes con valor bajo tienen por su propia naturaleza muy poca luz en ellas. El contraste es normalmente alto y la iluminación dura. La iluminación de valor bajo puede crear una atmósfera muy interesante y a menudo es utilizada con este propósito. La configuración más obvia para la ilmunación de valor bajo es la noche, pero puede encontrarse también en otras situaciones, tales como tormentas o interiores.

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La iluminación de valor bajo enfatiza el efécto dramático de esta imágen.

Balance de blancos

La mayoría de las fuentes de luz que encontramos en situaciones cotidianes tienen una proyección de color aunque nuestro cerebro es muy bueno filtrandolas. Tan pronto como hay una vaga mezcla de los tres colores primarios en la luz, nuestro cerebro los interpreta como blanco. Incluso bajo luces con un color muy fuerte tenemos la capacidad de filtrar la información que reciben nuestros ojos y deducir los colores de manera que los percibimos en cantidad relativa, en lugar de una manera absoluta.

La manera más obvia de demostrar esto es usar una cámara digital con el balance puesto a luz diurna: Esta es una posición neutral que reflejara los colores tal y como están ahí. En el ejemplo de abajo he sacado una foto con una ventana como fuente de luz. La luz viene indirectamente de un cielo overcast y es relatívamente neutra.

luz0112En la siguiente fotografía he cerrado las persianas y he utilizado una bombilla casera de 60 watt como fuente de luz:

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La fuerza del color proyectado en esta imágen puede haberte sorprendido, ya que no tendemos a percibir la iluminación del tungsteno como si fuera amarillo brillante/naranja. Nuestro cerebro convierte los colores para hacerlos más parecidos a la primera imágen, pero en esta ocasión es la cámara la que está ‘pintando’ la verdadera imágen.

Una forma muy fácil de confirmar este hecho es mirar a una ventana desde el exterior: La próxima vez eque estés en el exterior durante el anochecer observa los colores que vienen de las viviendas y verás que los interiores son de un naranja brillante. Cuando no estamos directamente bajo al fuente de luz, somos capaces de ver su verdader color.

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Ver el tungsteno desde el exterior ayuda a revelar su verdadero color; desde aquí se ve naranja brillante

Algo muy similar ocurre cuando permanecemos en la sombra, donde la luz es muy azul. Percibimos la luz como si fuera neutral, pero si salimos a donde nos da el sol y miramos a la sombra la proyección azul es mucho más fácil de ver. Hay otro montón de situaciones donde la luz sufre una fuerte proyección de color: La luz del fluorescente es a menudo verde, la luz de la calle, un naranja muy profundo; la luz del sol en el atardecer pasa del amarillo a un rojo fuerte, etc.

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Cuando permanecemos dentro de la sombra, percibimos la luz como si fuera neutral, pero saliendo al sol revela ser una profunda sombra azulada.

Ilumación de 3 puntos y porqué apesta

Los libros de texto de 3d a menudo describe la clásica iluminación del set de tres luces y a menudo animan a los principiantes a usarla como un modo efectivo de iluminar sus escenas. Fué originalmente diseñada como un modo de iluminar fotografía y su único benefício radica en que es fácil de aprender y de comprender. Se comprende de una luz principal brillante proviente del lateral, otra menor en el lado opuesto a la principal y una desde atrás del sujeto que se usa para sacar los perfiles y acentuar la forma.

El mayor problema con este set-up es que es artificial y no refleja la realidad. El uso de la luz trasera debería solo ser considerado si se esta buscando una apariencia para un efecto específico porque es muy dramático y reconocible. La luz trasera puede ser muy efectiva pero debería usarse con sentido común en vez de aplicarla ciégamente a cada situación. El tipo de iluminación que el set de 3 puntos crea simplemente no existe en la naturaleza y por eso resulta falsa. El hecho de que se enseñe en tantos libros de texto le da un aire de cliché y por esto se ha convertido en algo cansado y aburrido.

Hace tiempo que carece del favor de fotógrafos y cineastas, de todos modos, así que rara vez la verás en fotos de productos o películas. Si estás buscando iluminar un entorno o un objeto es mucho mejor intentar poner algo de tu creatividad en tu iluminación y estudiar qué ocurre en la naturaleza para deducir tu propia solución

Todo el mundo ha visto esos cutres retratos fotográficos de estudio que recaen en la iluminación de formula: Todas parecen iguales porque el fotógrafo siempre usa la misma luz todo el tiempo. El resultado es una fotografía aburrida y sin vida. Si quieres crear tu propio arte, evitar caer en el cliché y no ser un cutre, entonces evita las formulas de los libros de texto y empieza a pensar por tí mismo.

Continuará…

Nota: Este artículo es una traducción del tutorial originalmente escrito por Richard Harris. Todas las imágenes y el texto mismo tienen copyright. El original en inglés puede encontrarse en www.itchy-animation.co.uk